Cosas que pierden al ser pintadas es una puesta teatral original, que no busca transmitir un mensaje, sino que el espectador a través de la experiencia de la obra construya su propia historia.
¿De qué se trata? Un escritor... Su próxima obra… Un accidente… Su mujer… Lo que se desvanece… Su propia creación. El título hace alusión a que cada vez que queremos decir o explicar algo, eso desaparece en el mismo momento que lo hacemos, al no salirnos de nuestras estructuras nos perdemos de percibir muchas cosas.
Esta obra se inscribe dentro de lo que se denomina Teatro de Imagen. Es decir, que la composición visual es el punto de partida para la construcción de las escenas. El guión de Cosas que pierden al ser pintadas fue creado por sus protagonistas, actores profesionales independientes que desarrollan sus propios proyectos, y que trabajan e investigan sobre nuevos lenguajes estéticos: Sol Berzgal, Juliana Bettinelli, Matías Gomez y Fernando Schor.
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Visión Artística de la Puesta en Escena
· Concepto de Totalidad
Cosas que pierden al ser pintadas es un material creado a partir del siguiente concepto: “Necesitamos que definan nuestra realidad para poder existir”.
Es decir, no podemos existir sin una estructura creada por otro para nosotros, sin un conjunto de conceptos y definiciones que nos contenga y justifique.
Todo tiene que ser explicado y nombrado, y es en ese momento, que lo sucedido, lo acontecido, desaparece, de la misma manera que desaparecerán las protagonistas de esta historia, cuando el escritor termine de escribir su libro.
· Por qué y para qué este material
La elección de este material, que fue escrito por la cooperativa, a partir de un trabajo de investigación que se inicia en el concepto planteado anteriormente, y que se construye a partir de las propuestas de los actores, parte de la necesidad de crear materiales que nos movilicen como artistas, nutridos de una problemática contemporánea, como lo es el exceso de la justificación y de la explicación de todo, la desaparición progresiva y terminal de lo intuitivo y sensitivo, a favor de una lógica vacía.
Y asimismo la intención de crear estéticas, que se adecuen a la velocidad del tiempo presente, utilizando la imagen como uno de los recursos fundantes para la construcción de una dramaturgia de acción.
· Línea Argumental
Con motivo de lo expuesto anteriormente, creamos un texto cuya línea argumental se inicia con un accidente que sufre una pareja. Él, un escritor, ella, egresada de Bellas Artes devenida en Guía de Museo. Como resultado del accidente ella (Ana) muere y él decide escribir un libro sobre ella (justificar su existir).
Durante el desarrollo del material se suceden y superponen situaciones en las que uno de los personajes (el escritor) se encuentra en un tiempo (después del accidente) y el otro personaje (Ana) en situaciones previas al accidente y también situaciones que dependerán de la creación imaginativa del espectador.
A la vez, aparece un tercer personaje, que es el desdoblamiento de Ana, en un estado más próximo al deseo, a lo que Ana no quiso o no pudo ser, un estado más intuitivo, que se relaciona con la Ana guía de museo, y a su vez con el escritor, como personaje de la ficción del libro que el escribe. Pero ana no quiere ser escrita.
La historia cierra con la situación previa al accidente, y una imagen final en la que el escritor termina de escribir su libro, momento en el cual las dos Anas desaparecen con motivo de quedar plasmadas en la escritura.
· Concepción estética
Este texto fue escrito para ser plasmado en lo que denominamos un teatro de imagen, con elementos del teatro físico. Muchas de las escenas tendrán como soporte fundamental, aparte de la acción desplegada en el espacio, el efecto creado por la luz, y una contención sonora especialmente diseñada para cada momento.
A su vez toda esta secuencia de imágenes de carácter fotográfico, estarán enmarcadas en un espacio minimalista.
· La utilización del espacio
El espacio estará dividido en 3 sectores.
En los dos laterales estarán los espacios “casa del escritor”, una más ordenada, rectilínea, en la cual desarrollará sus acciones con Ana 1, la guía del museo (el deber ser), y la otra, más desprolija, revuelta, sucia, más propicia para el acto creativo de la escritura, donde se desarrollarán las acciones con Ana 2 (Ana en estado de deseo). Con el correr del material Ana 1 accederá al espacio de Ana 2 y viceversa, para finalmente alcanzar la idea de que solo hay una Ana.
Cada uno de estos espacios tienen en el fondo un lugar al cual se accede atravesando unos cortinados, colocadas de manera tal que no permiten ver directamente que ocurre, sino a través, a partir de efectos creados mediante la utilización de la luz, para trabajar imágenes en sombra.
El espacio central será un Museo donde Ana realiza periódicamente sus rutinas, en su rol Guía de Museo, y es ahí donde también se encontrará con Ana 2, para poder redescubrir ese espacio a través de ella, pudiendo volver a conectar con la pintura desde un lugar artístico-creador.
· Procedimientos y Métodos de trabajo
El abordaje y la puesta en escena de este material exigen del actor un manejo corporal expresivo intenso y de alta precisión. Teniendo en cuenta que la apoyatura central de este material es lograr la construcción de imágenes en un tiempo y en un espacio de ejecución perfecta es que dedicamos una parte importante del trabajo al entrenamiento físico-expresivo.
La construcción de las escenas se realiza a partir de la creación de partituras de movimientos, que al verlas terminadas da la sensación de ver imágenes de fotografías o cuadros en movimiento. El gran desafió actoral consiste en completar esas partituras con emociones, estados, sensaciones e imágenes.
La obra fue estrenada en Septiembre en Entretelones, permaneciendo en cartel hasta Noviembre del mismo año, y comienza un nuevo ciclo de 10 funciones, a partir del Sábado 2 de Abril, a las 20hs en )Entretelones Espacio Teatral(
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